A Casa de Fausto sob o Signo do Cruzeiro do Sul [Parte 3/Final]

Anátema e sagração da primaveraO grupo brasileiro Ói Nóis Aqui Traveiz encena o Fausto de Goethe em Porto AlegrePor Friedrich Dieckmann para a revista alemã Theater Der Zeit
 O princípio do palco simultâneo, que define toda a encenação, repete-se nas cenas de Margarida nas dimensões de um espaço com forma de sala, e o espectador pode escolher os pontos, a partir dos quais ele quer assistir aos acontecimentos; ele pode também mudar de lugar. Nos dois lados estreitos tornam-se presentes duas instâncias polares: num lado, o grupo de imobilidade estatuária, no qual aparecem, ao lado de um sacerdote, um cavaleiro e uma mulher (trata-se de Valentim e da mãe de Margarida), à semelhança de estátuas; no outro lado, a área do jardim com o lago, as pedras e as plantas, que aparece atrás de véus. O lado da igreja estende-se por todo o espaço na forma de figuras de santos (aquelas figuras carregadas da rua para dentro do recinto); a roda de fiar se encontra aqui, em cuja caixa Mefisto deposita o …

Espetáculos em Repertório



  "Violeta Parra - Uma Atuadora!"

Foto: Keter Velho

A performance cênico musical “Violeta Parra – Uma Atuadora” se solidariza com o povo chileno neste momento de luta por melhores condições de vida. E apresenta um repertório que mistura o andino com ritmos brasileiros na voz da atuadora Tânia Farias e do violonista e compositor Mário Falcão. Com esse viés mestiço a performance veste as canções deste ícone da arte da América do Sul. Violeta Parra cantora e violonista desde criança, pesquisou ritmos, danças e canções populares, transformando-se em ponta de lança do movimento da “nueva canción” que projetou a música chilena no mundo. Conhecida no Brasil principalmente pelas composições “Gracias a la Vida” e “Volver a los 17”, seu legado é inestimável para a música engajada latino-americana. Sua história foi contada em 2011 no filme “Violeta foi para o Céu”, do diretor Andrés Wood.

Primeira experiência da Tribo onde a música está em primeiro plano. Em cena Tânia Farias, atriz premiada diversas vezes, homenageada com o livro Tânia Farias – Teatro é Sacerdócio” de Fábio Prickladnick publicada pelo Porto Alegre Em Cena – Festival Internacional de Teatro, e o cantor Mário Falcão (Açorianos de Melhor Compositor e Melhor Disco em 2005), com diversas composições gravadas e uma trajetória com apresentações em Cuba, Uruguai e Argentina.


  "MEIERHOLD"

Foto: Pedro Isaias Lucas


A encenação de “Meierhold” reflete sobre o seu discurso artístico e os relaciona com momentos dramáticos de sua trajetória pessoal, envolvendo o público em uma discussão sobre o próprio papel da arte e a função do artista. Com uma postura artística, política e social contestadora, de personalidade ruidosa e irrequieta, e com ideias inovadoras sobre a encenação, Meierhold, costumava causar alvoroço no meio teatral, arrancando, aqui e ali, tanto elogios inflamados, quanto críticas ferozes. Seu trabalho se manteve em evidência na cena russa por cerca de três décadas ininterruptas, sempre permeado por uma liberdade de criação irrefutável; só em meados da década de 1930 é que sua produção foi interrompida, em função de crises de ordem política que culminaram na sua prisão, em 1939. 
 

Meierhold se preocupou particularmente com o estudo das formas populares de teatro, tais como o teatro de feira, a Commedia dell'Arte e o teatro oriental. Para ele o papel do encenador era mais o de sugerir ao invés de dirigir, dando primazia para a criação do ator, e se apropriando livremente do texto dramático. O espectador ganhava um lugar de destaque, com a imaginação do público completando as propostas dos artistas, fazendo da audiência parte ativa na ação. O ator idealizado por Meierhold, precisaria não apenas explorar suas potencialidades físicas por meio de um treinamento árduo, a partir da mais variadas técnicas, mas também seria imprescindível que o ator pensasse, estudasse a sua função dentro do teatro e fosse capaz de se posicionar criticamente através de sua arte.


Meierhold foi acusado reiteradas vezes de formalismo, principalmente a partir da subida ao poder na União Soviética de Stalin. Apesar de viver um momento político e cultural adverso aos seus princípios poéticos e estéticos, Meierhold sempre defendeu publicamente a sua liberdade de criação. Em função disso, foi preso em junho de 1939, acusado de ser contra o progresso socialista e de “antisoviético”. Menos de um mês depois, sua esposa Zinaida Reich foi assassinada com 25 facadas em seu apartamento. Mesmo depois das súplicas a alguns de seus influentes amigos ligados ao governo, Meierhold foi executado por fuzilamento em 2 de fevereiro de 1940.











"Caliban – A Tempestade de Augusto Boal”

Peça contemplada com o Prêmio Funarte de Teatro Myriam Muniz/2015 e pelo Rumos Itaú Cultural  circulou pelo Brasil ao longo de 2017, como homenageada do 20º Palco Giratório Sesc

Foto: Eugênio Barboza


Impulsionada pela ideia de que “somos todos Caliban”, a Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz propõe nesta encenação analisar criticamente a “tempestade” conservadora que sofre atualmente a América Latina, e, especialmente o grande retrocesso nos direitos sociais e na luta pela autonomia econômica, política e cultural que vivemos no Brasil. A encenação é criada a partir do texto “A Tempestade” de Boal, escrita pelo autor no exílio em 1974, período em que os movimentos sociais latino-americanos sofriam uma grande derrota frente ao imperialismo estadunidense e eram terrivelmente reprimidos pelas ditaduras civil-militares. A Tribo, sem trair a sua vocação artística, quer com o seu teatro de rua instaurar a alegria e a indignação nos seus milhares de espectadores. 

A peça de Boal é uma resposta ao clássico “A Tempestade” de William Shakespeare. A história é vista pela perspectiva de Caliban, metáfora dos seres humanos originários da América que foram dizimados e escravizados pelos invasores colonizadores representados pelo personagem Próspero. Na versão de Boal, Próspero é tão perverso quanto os nobres europeus que usurparam o seu poder. Todos representam a violenta dominação colonial e cultural. A filha de Próspero, Miranda, e o príncipe de Nápoles, Fernando, fazem uma aliança não por amor como na peça de Shakespeare, mas sim por interesses capitalistas. Ariel, o “espírito do ar”, representa o artista alienado, mescla de escravo e mercenário a serviço da ordem constituída. Somente Caliban se revolta até ser, finalmente, derrotado. Os vilões permanecem na “ilha tropical” para escravizá-lo. Mesmo escravo, Caliban resiste. Como em todo bom teatro político, o público deve perceber que os símbolos da obra remetem à realidade, para despertar neles – emotiva e racionalmente – uma resposta crítica fora da ficção. Caliban simboliza hoje a resistência ao neo-colonialismo.  

Para seduzir o púbico anônimo e passageiro das ruas das cidades, a criação coletiva do Ói Nóis Aqui Traveiz investe em um movimento de cena dinâmico com personagens excêntricos, utilizando adereços e figurinos impactantes com máscaras e bonecos. A narração da fábula é toda influenciada pela música, o canto e a dança. Mesclando os movimentos do coro com ações acrobáticas, cenas de humor irreverente e personagens clownescos com uma narrativa épica, “Caliban – A Tempestade de Augusto Boal” reflete alegoricamente a nossa sociedade. Resultado de uma pesquisa que procurou a criação de uma linguagem de signos capazes de transmitir uma emoção poética. O teatro de rua do Ói Nóis Aqui Traveiz pretende surpreender, sensibilizar e conquistar a empatia dos mais diversos públicos trazendo para cena uma estética e uma ética libertária. 

“Caliban – A Tempestade de Augusto Boal”, criação coletiva da Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz, tem música de Johann Alex de Souza e traz no elenco os atuadores Roberto Corbo, Clélio Cardoso, Keter Atácia, Marta Haas, Eugênio Barboza, Tânia Farias, Paulo Flores, André de Jesus, Márcio Leandro, Leticia Virtuoso, Mayura Matos, Luana Rocha, Lucas Gheller, Daniel Steil, Rochelle Silveira, Raphael Costa, Rafael Torres, Helen Sierra, Rogério Bertoldo, Mariana Stedele, Fabricio Miranda, Alex Pantera e Dijean Bueno.

Sobre o autor:
Augusto Boal nasceu no Rio de Janeiro em 1931 e apesar da formação em Engenharia, sempre se interessou pelo teatro. No início dos anos 50 esteve nos EUA onde estudou na Escola de Arte Dramática da Universidade de Columbia e frequentou os cursos de John Gassner - professor de alunos como Tennessee Williams e Arthur Miller. De volta ao Brasil, passou a integrar o Teatro de Arena, onde aos poucos adaptou o que aprendera nos Estados Unidos em espetáculos que buscavam encenar e discutir a realidade brasileira, transformando o espectador em cidadão ativo. Formado por Boal, José Renato, Gianfrancesco Guarnieri, Oduvaldo Vianna Filho e outros, o grupo de dramaturgos do Arena promoveu uma verdadeira revolução estética nos palcos brasileiros. 

O golpe de 1964 tornou cada vez mais difícil a situação dos artistas que haviam se engajado na transformação social do período precedente. Em 1971, Boal é então preso e torturado. Exila-se na Argentina com Cecília Thumin, onde organiza Teatro do Oprimido, seu livro mais conhecido. A partir de então, os princípios e as técnicas desenvolvidas por Boal alcançam um público cada vez maior, difundindo-se inicialmente pela América Latina e, ao longo dos anos 1970, pelo mundo inteiro. Em Paris, onde passa a morar e atuar, cria vários núcleos baseados em sua obra. Com o fim da ditadura, retorna ao Brasil em 1986, estabelecendo-se no Rio de Janeiro. Em 1992 é eleito vereador e desenvolve mais uma de suas técnicas, o Teatro Legislativo, que discute projetos de lei com o cidadão comum em ruas e praças da cidade. A Unesco conferiu a Boal o título de "Embaixador do Teatro Mundial" , em 2009. Nesse mesmo ano ele faleceu no Rio de Janeiro. Suas obras estão traduzidas para várias línguas, ocidentais e orientais. 

Rumos Itaú Cultural
O Itaú Cultural mantém o programa Rumos desde 1997. Este que é um dos primeiros editais públicos do Brasil para a produção e a difusão de trabalhos de artistas, produtores e pesquisadores brasileiros, já ultrapassou os 52 mil projetos inscritos vindos de todos os estados do país e do exterior. Destes, foram contempladas mais de 1,3 mil propostas nas cinco regiões brasileiras, que receberam o apoio do instituto para o desenvolvimento dos projetos selecionados nas mais diversas áreas de expressão ou de pesquisa. Os trabalhos resultantes da seleção de todas as edições foram vistos por mais de seis milhões de pessoas em todo o país. Além disso, mais de mil emissoras de rádio e televisão parceiras divulgaram os trabalhos selecionados. Na última edição (2015-2016), as propostas inscritas foram examinadas, em uma primeira fase seletiva, por uma comissão composta por 30 avaliadores contratados pelo instituto entre as mais diversas áreas de atuação e regiões do país. Em seguida, passaram por um profundo processo de avaliação e análise por uma Comissão de Seleção multidisciplinar, formada por 22 profissionais que se inter-relacionam com a cultura brasileira, incluindo gestores da própria instituição.

Palco Giratório Sesc
Em sua 20ª edição (2017), o Circuito Palco Giratório é considerado o maior projeto de circulação nacional das artes cênicas. O Palco Giratório apresenta espetáculos simultâneos, percorrendo todos os estados brasileiros e contribuindo para uma política de descentralização e difusão das produções cênicas no país. A cada ano, novos grupos teatrais são avaliados para entrar no projeto, em um trabalho que envolve técnicos da área de cultura do Sesc em todo o país. Além das apresentações principais, o evento conta com atividades paralelas junto ao público, como o Pensamento Giratório, espaço aberto ao público para reflexão e discussão sobre o trabalho e pesquisa dos grupos itinerantes; as Aldeias, mostras locais de artes cênicas e outras manifestações culturais, além de oficinas e intercâmbios, encontros de grupos locais com os grupos integrantes do circuito para troca de ideias.

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Medeia Vozes
Espetáculo de Vivência

Foto: Pedro Isaias Lucas

A Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz toma uma versão antiga e desconhecida do mito, trazendo uma mulher que não cometeu nenhum dos crimes de que Eurípides a acusa. O mito é questionado e reelaborado de maneira original, para analisar o fundamento das ordens de poder e como estas se mantêm ou se destroem. Medeia é uma mulher que enxerga seu tempo e sua sociedade como são. As forças que estão no poder manifestam-se contra ela, chegando mesmo à perseguição e banimento, ela é um bode expiatório numa sociedade de vítimas. A voz de Medeia somam-se vozes de mulheres contemporâneas como as revolucionárias alemãs Rosa Luxemburgo e Ulrike Meinhof, a somali Waris Diriiye, a indiana Phoolan Devi e a boliviana Domitila Chungara, que enfrentaram de diferentes maneiras a sociedade patriarcal em várias partes do mundo.

Medeia Vozes ganhou o Prêmio Açorianos em 8 categorias (melhor espetáculo, atriz para Tânia Farias, cenografia, iluminação, trilha para Johann Alex de Souza, dramaturgia, produção e direção), além do troféu do Júri Popular. E em 2014 ganhou mais um prêmio açorianos na categoria de melhor espetáculo, concedido pela EEPA (Escola de Espectadores de Porto Alegre).

“ Pronunciamos um nome, e, como as paredes são permeáveis, entramos no tempo que foi o seu, encontro desejado. Sem hesitações, ela responde das profundezas do tempo ao nosso olhar. Infanticida? Pela primeira vez esta dúvida. Um encolher de ombros, de desprezo, um voltar às costas. Ela já não precisa da nossa dúvida, nem dos nossos esforços para lhe fazer justiça, afasta-se. Antecipa-se de nós? Foge? As perguntas perdem o sentido pelo caminho. Mandamos-lhe embora, ela vem ao nosso encontro das profundezas do tempo, nós mergulhamos nele, passamos por épocas que, ao que tudo indica, não nos falam de forma tão clara como a sua. E há de haver um momento em que nos encontramos.
Somos nós que descemos até aos Antigos? São eles que nos apanham? Tanto faz. Basta estender a mão. Passam para o nosso mundo com a maior facilidade, estranhos hóspedes, iguais a nós. Nós temos a chave que abre todas as épocas, por vezes a usamos sem reservas, deitamos um olhar apressado pela fresta da porta, ávidos de juízos precipitados. Mas também deve haver maneira de nos aproximarmos passo a passo, com um certo pudor diante do tabu, dispostos a arrancar dos mortos seu segredo, mas assumindo o preço de algum sofrimento. O reconhecimento das nossas fraquezas – era por aí que devíamos começar.
Os milênios dissolvem-se, sujeitos a fortes pressões. Deve então manter-se a pressão? Pergunta ociosa. Falsas perguntas fazem hesitar a figura que quer libertar-se das trevas da cegueira que nos impede de conhecê-la. Temos de lhe avisar. A nossa cegueira forma um sistema fechado, nada a pode refutar. Ou teremos de nos afoitar no mais íntimo da nossa cegueira e autocegueira, e avançar, sem mais, uns com os outros, uns atrás dos outros, o ruído da derrocada das paredes nos ouvidos? Ao nosso lado, é essa a nossa esperança, a figura de nome mágico que em si faz convergir os tempos, processo doloroso. Nessa figura é o nosso tempo que sobre nós se abate. A mulher bárbara”.

Christa Wolf

Classificação etária: 16 anos

Duração: 210 min

Ficha Técnica: Criação, Direção, Dramaturgia, cenografia, figurinos criados coletivamente pela Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz

Música: Johann Alex de Souza

Preparação Vocal: Leonor Melo

Participam da encenação os atuadores: Tânia Farias, Paulo Flores, Marta Haas, Eugênio Barbosa, Paula Carvalho, Clélio Cardoso, Roberto Corbo, Letícia Virtuoso, Mayura Matos, Keter Atácia, Daniel Steil, Luana Rocha, Márcio Leandro, Alex dos Santos, Pascal Berten, Lucas Gheller, Rochelle Silveira, Raphael Costa, Júlio Kaczam e Eduardo Arruda.


Evocando os Mortos - Poéticas da Experiência
Desmontagem


Foto: Pedro Isaias Lucas


A desmontagem “Evocando os mortos – Poéticas da experiência” refaz o caminho do ator na criação de personagens emblemáticos da dramaturgia contemporânea. Constitui um olhar sobre as discussões de Gênero, abordando a violência contra a mulher em suas variantes, questões que passaram a ocupar centralmente o trabalho de criação do grupo Ói Nóis Aqui Traveiz.

Seguindo a linha de investigação sobre teatro ritual de origem artaudiana e performance contemporânea a desmontagem de Tânia Farias propõe um mergulho num fazer teatral onde o trabalho autoral do ator condensa um ato real com um ato simbólico, provocando experiências que dissolvam os limites entre arte e vida e ao mesmo tempo potencializem a reflexão e o autoconhecimento.

Desvelando os processos de criação de diferentes personagens, criadas entre 1999 e 2011, a atriz deixa ver quanto as suas vivências pessoais e do coletivo Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz atravessam os mecanismos de criação. Através da ativação da memória corporal, a atriz faz surgir e desaparecer as personagens, realizando uma espécie de ritual de evocação de seus mortos para compreensão dos desafios de fazer teatro nos dias de hoje.

Ficha técnica: Criação da Atuadora Tânia Farias a partir de quatro personagens de espetáculos da Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz.
Concepção e atuação: Tânia Farias
Produção:Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz
Operação de luz: Marta Haas
Duração: 90 minutos

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Performance “Onde? Ação nº2”

Foto: Pedro Isaias Lucas
A performance “Onde? Ação nº2” de forma poética provoca reflexões sobre o nosso passado recente e as feridas ainda abertas pela ditadura militar. A ação performática se soma ao movimento de milhares de brasileiros que exigem que o Governo Federal proceda a investigação sobre o paradeiro das vítimas desaparecidas durante o regime militar, identifique e entregue os restos mortais aos seus familiares e aplique efetivamente as punições aos responsáveis.

Criação Coletiva da Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz

Participam da performance: Tânia Farias, Marta Haas, Paula Carvalho, Mayura de Matos, Leticia Virtuoso, Luana Rocha, Keter Velho, Rochelle Silveira, Paulo Flores, Eugênio Barbosa, Pascal Berten, Roberto Corbo, Márcio Leandro, Clélio Cardoso, Alex Pantera e Daniel Steil.

Duração: 40 minutos

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Viúvas - Performance Sobre a Ausência
Espetáculo de Vivência - Ocupação de Espaços de Memória

 Foto: Pedro Isaías Lucas


VIÚVAS é uma pesquisa da Tribo a partir do texto de Ariel Dorfman sobre o solo do imaginário latino-americano e a sua história recente. A performance mostra mulheres de um pequeno povoado nas margens de um rio que lutam pelo direito de saber onde estão os homens que desapareceram ou foram mortos pela ditadura civil militar que se instalou em seu país. É uma alegoria sobre o que aconteceu nas últimas décadas na América Latina e a necessidade de manter viva a memória deste tempo de horror, para que não volte mais a acontecer.

Sophia, como um estandarte de todas as mulheres, decide romper com a indeterminação de não saber o que aconteceu com seus homens, sentando-se como uma pedra na beira do rio para esperar. Ela não vacila nunca ante a arrogância e arbitrariedade do poder e, para aqueles que lhe pedem que se levante, responde:

Não posso. Carrego o peso de meus quatro homens. Tenho um pai. Um marido. Dois filhos. Onde estão? Cada um pesa. Cada vez que penso neles, se tem fome, se tem sede, se tem frio, cada vez me pesa mais. Sim. Sou uma pedra. E lembro dos meus com tanta força que esqueço o resto. Não posso me mover. Estou esperando aqui porque (...) Porque não posso viver sempre esperando.

A espera ao lado do rio não implica esperança, mesmo que na tradição latino-americana a água fluindo tenha o valor positivo de "vida". Neste caso o rio é símbolo de morte, já que só trará cadáveres. No entanto, a memória dos desaparecidos é um peso muito grande para carregar. É preciso superar o estado de angustiante indefinição  em que se encontram.


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